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Il n’a jamais été aussi simple de s’autoproclamer acteur-ice de la nuit.
En quelques années, la scène électro a vu apparaître une multiplication de collectifs, de DJs, de micro-médias, de programmateurs improvisés, de curateurs instagram, d’organisateurs de soirées, d’agences de booking et de management parfois montées en quelques semaines, souvent sans formation, sans cadre, sans transmission réelle. English article here.
Ce phénomène n’est pas une anomalie car il est le produit direct d’un milieu historiquement fondé sur le DIY, l’autonomie, la débrouille, et d’outils numériques qui ont fait sauter presque toutes les barrières à l’entrée. Aujourd’hui, une page insta, une billetterie en ligne et quelques connexions suffisent à se déclarer “projet”, “collectif”, “média” ou “plateforme”.
C’est quelque chose qui devriat nous réjouir car sur le papier c’est une scène plus ouverte, plus horizontale ou moins verrouillée par les institutions traditionnelles.
Mais cette ouverture massive a aussi produit des choses un peu plus problématiques, la scène devient un monde où l’amateurisme est devenu la norme, et où la responsabilité n’a pas suivi la vitesse de l’accès.
La nuit n’est pas un terrain neutre
La nuit n’est pas simplement un endroit ou l’on fait seulment la fête.
De nombreux travaux en sociologie urbaine et en études culturelles, notamment ceux autour des économies nocturnes et des cultures club, montrent que la nuit crée ses propres rapports de force. Elle concentre le pouvoir dans des espaces réduits, où l’accès, la visibilité et la reconnaissance deviennent des monnaies extrêmement précieuses.
-Qui décide qui entre dans un club.
-Qui décide qui joue, à quelle heure, sur quelle scène.
-Qui décide quels artistes sont mis en avant, relayés, invités.
-Qui décide quel son mérite d’être entendu et lequel restera invisible.
La sociologue Sarah Thornton montre dans Club Cultures (1995) que les scènes club fonctionnent autour d’un « capital subculturel » : la reconnaissance ne dépend pas seulement du talent, mais aussi de l’accès aux lieux, de la légitimité culturelle et de la visibilité accordée par ceux qui occupent déjà une position centrale.
Ces décisions construisent ou détruisent des carrières, en gros, elles influencent des esthétiques entières. Et pourtant, elles sont de plus en plus prises par des personnes qui n’ont ni formation, ni cadre éthique, ni conscience claire de l’impact de leur position.
La nuit produit ainsi ses propres figures d’autorité. Des rois et reines de la nuit, parfois très jeunes, parfois très exposés, souvent grisés par une forme de pouvoir informel qui ne dit pas son nom. Dans un contexte où le travail se mêle à la fête, où les décisions se prennent entre deux verres, où les frontières entre relation professionnelle, amicale ou affective sont floues, ces positions deviennent particulièrement sensibles.
La recherche l’a bien montré, dans des environnements festifs, l’asymétrie de pouvoir est accentuée par la fatigue, la consommation de substances, la pression sociale et la rareté des opportunités. C’est une question de structure.
Dans Clubbing (1999), le sociologue Ben Malbon décrit les clubs comme des espaces où les frontières entre loisir, identité et activité professionnelle se brouillent, créant des relations sociales particulièrement intenses mais aussi plus fragiles.
Quand l’absence de formation devient un risque
Alors attention, on ne pense pas que le problème vienne des personnes « non diplômées » qui investissent la scène. La musique électronique s’est construite en dehors des écoles, des conservatoires et des institutions culturelles classiques. L’autodidaxie est une richesse.
Mais l’absence totale de formation minimale devient un problème quand elle touche à des métiers qui impliquent la sécurité, la santé mentale, la gestion de conflits, la RDR, la médiation, la communication publique ou la responsabilité économique. Ensuite on assiste à plein de dérives à tous les niveaux qui mettent soit en danger le public, soit fabriquent une culture.
Des médias sans aucune déontologie journalistique, qui confondent critique, promotion et règlement de comptes personnels.
Des managers débutants qui engagent leurs artistes dans des contrats déséquilibrés, brûlent des relations professionnelles ou les surexposent trop tôt.
Des orgasqui ne savent pas gérer une agression, une OD, un malaise, un conflit grave sur un dancefloor.
Des collectifs qui reproduisent, parfois sans s’en rendre compte, des logiques sexistes, racistes ou validistes qu’ils prétendent combattre.
Dans un milieu sans règles écrites, la compétence devient la seule protection réelle. Et quand elle fait défaut, ce sont toujours les mêmes qui paient le prix à savoir les artistes précaires, les publics vulnérables, les personnes minorisées.
Phil Hadfield – Nightlife and Crime (2006)
Les travaux de Phil Hadfield sur les économies nocturnes montrent également que les environnements festifs concentrent des rapports de pouvoir spécifiques dans des contextes où l’intoxication, la fatigue et une régulation limitée rendent les situations plus complexes à gérer.
L’argent, la visibilité, et l’illusion du métier-rêve
Pourquoi, alors, cette obsession à vouloir être payé à faire la fête ?
Il serait hypocrite de nier les raisons économiques. La scène électronique est aujourd’hui une industrie mondiale qui génère des milliards. Certaines trajectoires peuvent être extrêmement lucratives. La visibilité apporte du capital symbolique, social, parfois financier. Et oui, ces activités demandent du temps, de l’énergie, du travail réel.
Mais en creusant, on découvre souvent des stratégies hybrides, rarement assumées comme telles. Et on en parle souvent ici car elles fabriquent vos feeds et une culture qui est artificielle.
Des créateurs de contenu qui utilisent leur audience pour accéder à des bookings.
Des médias qui existent surtout pour obtenir des accès gratuits, des voyages, des invitations.
Des orgas qui programment leurs propres artistes, eux-mêmes ou leurs proches (C’est parfois justifié, parfois pas du tout).
David Hesmondhalgh – The Cultural Industries (2019)
David Hesmondhalgh explique dans The Cultural Industries que les industries culturelles tendent à romantiser le travail passion, au point de rendre invisibles la précarité, l’auto-exploitation et les risques qu’elles font peser sur celles et ceux qui y travaillent.
La confusion des rôles n’est pas nouvelle dans la scène électronique. Elle a toujours existé, parfois de manière vertueuse. Mais à cette échelle, elle devient systémique. Et quand chacun utilise sa position pour servir un intérêt personnel, la fête se transforme en marché de placement.
Angela McRobbie – Be Creative: Making a Living in the New Culture Industries (2016)
Dans Be Creative, Angela McRobbie montre comment les travailleurs des industries créatives sont de plus en plus encouragés à cumuler les rôles, artiste, communicant, entrepreneur, créateur de contenu, au risque de brouiller les responsabilités et de normaliser l’auto-exploitation.
Alors, la solution n’est pas de fermer les portes, ni de professionnaliser brutalement un milieu qui se nourritd’expérimentation et de chaos. Mais pourquoi ne pas penser à une professionnalisation partielle, choisie et consciente. Former sans normaliser, structurer sans aseptiser et transmettre sans exclure.
Cela peut passer par des formations accessibles en RDR, en gestion de conflits, en éthique médiatique, en bases contractuelles. Par des chartes réellement appliquées. Par une reconnaissance claire des rôles et des limites. Par l’acceptation que tout le monde ne peut pas tout faire en même temps.
Eviter l’urgence permanente permet souvent d’éviter l’abandon progressif des valeurs. Ralentir n’est pas disparaître et dire non à certaines opportunités ne revient pas à se marginaliser.
Howard Becker – Art Worlds (1982)
Howard Becker rappelle dans Art Worlds que les mondes artistiques ne reposent ni sur une liberté absolue ni sur des règles rigides, mais sur des conventions partagées qui permettent à des acteurs très différents de coopérer.
Pourquoi la nuit continue de faire rêver
Si tant de personnes veulent vivre de la fête, c’est aussi parce que la nuit reste un espace de projection rare. Un lieu où l’on croit encore possible de créer du sens, du collectif, du lien. Un endroit où le monde semble, l’espace de quelques heures, moins normé.
Mais ce rêve ne peut survivre que si la fête cesse d’être uniquement un tremplin individuel.
La nuit n’est pas un décor. Elle est un espace partagé.
Et être payé à faire la fête ne devrait jamais signifier ne plus répondre de ce que l’on fait aux autres.
Les recherches de la géographe Gill Valentine sur les espaces publics montrent que les lieux perçus comme libres ou informels reposent eux aussi sur des formes de régulation, souvent invisibles, qui conditionnent leur sécurité et leur fonctionnement.